这是一部大型声乐作品，您可以理解为庞大的马勒的大地之歌。不同的是，大地之歌还不具有戏剧的内核，但古雷之歌讲的是一个故事，完全可以变成歌剧。荷兰人也的确当做歌剧来演出了。中国大陆的首演，可以追溯到2015年，上海交响乐团，在上海演出，在北京国际音乐节也演出，轰动一时。它和当年的24小时瓦格纳指环车轮战并驾齐驱，不分伯仲。不同的是，荷兰人是演出歌剧，中国大陆还是以声乐作品演出。

　　《古雷之歌》的创作过程可谓一波三折。勋伯格自1900年动笔，到1911年完成共历时十一年。期间勋伯格辞去了工作，耗费了全部的精力财力，依旧无力支撑如此庞大的构想，其创作也一度搁置。直到获得理查·施特劳斯帮助，拿到“李斯特奖”的奖金与工作，才得以继续。也正因为创作时间跨度大，这部作品集作曲家“成熟的调性主义”与“自由无调性时期”的理念于一体，体现了作曲家不同时期的创作思路，也融合了丰富多样的表现手法。一经上演，立刻广受好评。但由于难度大、成本高，《古雷之歌》的上演次数并不多，其第一版录音在作品问世之后二十年才迟迟到来，而第二版录音与第一版之间又相隔二十多年。

　　《古雷之歌》的故事来自丹麦诗人雅克布森写的小说《仙人掌开花》，歌词选自其中一段长诗，讲述了丹麦的一个国王瓦尔德玛与住在古雷的姑娘多薇相恋，多薇却遭到了王后的嫉妒被残忍杀害，国王悲愤交加咒骂众神，被罚做游魂，与已死去的曾经部下的鬼魂一起流落在古雷城堡里，最后他终于感动上苍，在日出时重获爱情与平静。由于颇具神话色彩，作曲家在一开始就用长笛、短笛、竖琴等乐器制造出神秘、空灵的氛围，为听众营造出一个童话世界。

　　整部作品分为三个部分，第一部分由十首歌组成。前九首以国王瓦尔德玛与多薇对话的形式出现，第十首则是由森林白鸽作为旁观者描述多薇死后国王悲痛欲绝的场面。勋伯格巧妙的将十首歌串联起来，中间不间断，保持了音乐的完整性和持续性。

　　美籍奥地利作曲家、音乐教育家和音乐理论家，西方现代主义音乐的代表人物阿诺尔德·勋伯格（ArnoldSchoenberg），1874年9月13日生于维也纳。

　　勋伯格是一位自学成才的作曲家，小时候家境贫寒，十六岁时父亲去世。这些不利的环境并没能阻止他热爱音乐和学习音乐的决心。他八岁时开始学习小提琴，以后又自学大提琴，参加业余乐队，而且自己尝试着作曲。他经常如饥似渴地去听音乐会和歌剧，从中得到学习和熏陶。父亲去世以后，由于家境日益困窘，他到一家银行当了办事员，以增加一些家庭收入。就在这个时候，他偶然结识了作曲家亚历山大·策姆林斯基，并跟他学了几个月的对位法，而这就是后来成为现代音乐杰出作曲家的勋伯格所受到的唯一的正规音乐教育。从此，他开始了音乐创作生涯。1897年，他的处女作《D大调弦乐四重奏》问世。1901年他来到柏林，执教于斯顿音乐学院。后来又回到了维也纳，于1910年担任了音乐学院的和声教师。第一次世界大战开始后，勋伯格参加了奥地利军队。战后在柏林普鲁士艺术学院任教。1933年勋伯格离职赴美，担任加利福尼亚大学的音乐教授。1941年他取得美国国籍，在那里定居，直到逝世。

　　勋伯格是一位具有大胆创新精神的作曲家，他的作品曾经引起过很大的争议。他首创了“十二音体系”的无调性音乐，并且培养了许多“十二音体系”的作曲家。他和他的学生贝尔格、威伯恩被合称为“新维也纳乐派”，即“表现主义”音乐流派。他对音乐所进行的重大的、具有划时代意义的改革，影响了一大批年轻作曲家，如达拉皮科拉、欣涅克以及肖斯塔科维奇等人都不同程度地受到了他的影响。

　　勋伯格的音乐创作一般分为两个时期：第一个时期大约从1897年至1908年。他这个时期的作品带有晚期浪漫主义的特点，深受瓦格纳的影响，这时的作品还没有完全抛开调性。第二个时期大约从1908年至1912年，这个时期的作品已是“勋伯格风格”特点的作品了。这时期的音乐具有表现主义的特征，“十二音体系”他已完全成熟，他的许多重要作品都是在这一时期写出的。

　　代表作有《升华之夜》、《乐队变奏曲》、《小提琴协奏曲》、《钢琴协奏曲》等。

　　勋伯格的创作除早期作品外，大多难于被人理解，当时经常遭到冷遇。在他死后，对他的音乐的评价，也一直存在争议。勋伯格的最大贡献在于继承、发展并最终打破了19世纪德国浪漫主义的音乐传统，系统地创建了序列主义的音乐理论和方法，从而完成了从浪漫主义音乐向现代音乐过渡的历史性任务。除了作曲，勋伯格毕生还以极大的热情和精力从事教学工作，培养了多位世界著名的作曲大师，是一位名副其实的音乐教育家。他的无调性音乐和十二音音乐对20世纪的音乐发展产生了巨大影响，最初在德国、奥地利，后来在法国、意大利、美国等国，不少作曲家都采用他的作曲方法。而他的学生韦伯恩和贝尔格等人进一步发展和完善了他的序列音乐理论。

　　勋伯格1951年7月13日卒于美国洛杉矶，享年76岁。

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